法国珠宝历史悠远，当19世纪末期，新艺术珠宝的蜿蜒线条点燃了法国珠宝的魔力，全世界慷慨地将赞叹的目光和最华美的词藻送给Jewelry Made in France，随后，历经了时间长河百余年的磨炼，法国珠宝一次次俘虏了人们善变的心，终于衍变为真正影响世界的风格典范。
1900年Boucheron手链，2009年纽约佳士得拍品
流动珠宝自然之美 Art Nouveau
一条街道，一个转角，一盏街灯，一扇花窗。印象中的巴黎本身就是一件艺术品，而每每仰望美轮美奂的巴黎中央车站的入口，美景更会让人不忍归去—精美的雕刻，流畅的线条，艺术散发着自然的味道悄然征服审美。这件由设计师Hector Guimard带来的作品，正是沿袭了风靡于上个世纪的艺术风格─新艺术（Art Nouveau）。
1895年，圣诞之后，节日的余温尚未减退的一个清晨。法国艺术家Samuel Bing为自己的“巴黎东方艺术店”换上了刻有新名字的牌匾─“新艺术画廊”。从此，这个横跨世纪之交的设计潮流也有了自己的名字—新艺术（Art Nouveau）。它钟情于鬼斧神工的自然，悠远亘古的神话，它把风幻化成流动的曲线之美，把花卉、植物、动物纳入频繁使用的有机元素之中，让作品充满了生长和律动的活力。
1900年René Lalique狗脖圈饰物，2009年纽约佳士得拍品
尽管影响最大的还是绘画和建筑，但珠宝设计也从此迎来了一个收获颇丰的年代。赶弄着新艺术的浪潮，珠宝工匠们也如画家和建筑家一样，开始吸取自然和神话赋予的无穷灵感。同时，珠宝设计师们对于原料的选择也逐渐开始规避大而璀璨的昂贵钻石，以半宝石、兽角，甚至玻璃等新材质取而代之。
和传统欧洲风格大相径庭的是，新艺术受到了浓厚的日本风格的渲染。其中，对于不对称图案的推崇和繁复花纹的选用都是日本设计的光影。此外，一批大名鼎鼎的珠宝设计师的加盟让新艺术更深入人心，如Auguste Rodin、Louis Comfort Tiffany、Emile Galle以及René Lalique这样如雷贯耳的名字更让这一流派的发展如日中天。
1910年铂金钻石项链（胸针），2009年伦敦佳士得拍品
温婉的宫廷珠宝风范 Edwardian
蕾丝，羽纱，丝带，蝴蝶结。
当唯美曼妙的维多利亚风格随着女王的退位渐渐隐去，1902年，其子爱德华七世的继位预示着艺术界爱德华时代的到来。他的出现不仅使短款西服和蝶形领结代替了白领带和燕尾服的旧式晚装，更为珠宝设计加入了弧线、花环，以及心形等明朗圆润的元素。在钟爱时尚的爱德华七世的推动下，爱德华风格风靡了整个欧洲，并且风向直指美国，成为了新兴中产阶级的新宠。
和新艺术不同，爱德华风格体现了雍容华贵，高雅温婉的王者之风。新艺术时期被视为“太过艺术”的花环风格转而复苏，有所不同的是，工艺的进步和材质的精良让新的花环风格更加生动流畅，并在1910年发展成为珠宝设计中最流行的元素之一。
爱德华七世国王与皇后亚历山大
当我们凝视一个活泼的蝴蝶结，并由衷赞叹它造型灵巧做工精良并且笼罩着钻石奢华的光芒之时，很可能，这就是一件爱德华风格的作品，王者独一无二的尊贵气质只钟情于风华绝代的钻石令人神往的光芒。
或许是维多利亚女王温婉高贵的身影的延续，产量稀少、光泽柔润的珍珠也是这一风格设计师的大爱。据记载，世代相传的上等珍珠是只有贵族才能佩戴的身份象征。
跳出金和银的传统金属材质，爱德华时期的珠宝匠们都把目光聚焦在了一种新型的金属─铂金。极好的光感和不易变形的质地战胜了金银的柔软和暗淡，成为烘托宝石，尤其是制作表托的上乘优选。
在皇室和美国新贵们的竭力推崇之下，Cartier、Boucheron以及Mauboussin等珠宝巨匠都推出了一系列造型绝世的珠宝作品，例如Cartier的花环风格胸针就是这一时期珠宝界的翘楚之作。然而，随着1910年爱德华七世的去世，皇室在风雨飘摇中经历了巨大的变革，这一艺术风格也伴着爱德华支持的坍塌而渐渐隐匿，随之而来的是又一个伟大的艺术形式─装饰艺术。
平衡简洁的立体设计 Art Deco
当第一次世界大战的创痛在人们心中渐渐隐退，当社会的活力和美好重新在和平中绽放光彩，一种与爱德华时代的保守和禁锢大相径庭的艺术形式席卷而来，释放着人们心中冲破藩篱的渴望。当女性穿起短裙和无袖衫，当Coco Chanel第一次大胆地把男人的西服穿在身上，社会的变革也引领着一次艺术形式的盛世─装饰艺术（Art Deco）的到来。
Van Cleef &Arpels手镯
一战后，流行服饰的巨大转变也带动了珠宝设计的革新。原本严实包裹的女性身体开始享受无袖、低胸以及短裙的简便和酣畅淋漓，女性追求美感的天性要求那些与空气亲密接触的部分显示出更多灵动和修饰。手链、臂环、晚装包以及悬挂着流苏的项链和耳环开始备受青睐，大大突破了爱德华时代花环风格的婉约和压抑，展现出一种前所未有的开放和大气。
1928年Cartier胸针，2009年纽约佳士得拍品
这一时期，造型夸张、线条硬朗的珠宝风格在历史上首次出现，矩形和多边形都是设计师们偏爱的线条形状，技术的进步让很多宝石也被切割为多边形。此时珠宝作品的色彩选择也极为丰富，大大突破了爱德华时代钻石铂金的单纯光感。装饰艺术的选材也非常多元化，除了爱德华时代就兴起的铂金钻石，一些体现着达达主义、超现实主义，甚至是立体艺术的材质也纷纷被纳入了它的清单。尼龙绳、烤漆木，各式各样的宝石水晶甚至是彩色玻璃都被统统拿来，成就了这一种胸襟开放引人注目的新型元素。
1926年Van Cleef &Arpels化妆箱
与此同时，装饰艺术博大的胸怀也在异域之风中更加宽广。1922年，当Tutankhamen王的墓冢在沙漠中被发现的消息震惊世界，一股埃及之风席卷了整个珠宝界，古埃及风格的珠宝作品层出不穷。此外，印度、中国、非洲以及拉美元素都频频出现在此时的作品之中，让这种形式兼容并包的特性一览无余。
1925年的塞纳河边异常热闹，一场“现代工业装饰艺术国际展”迎来了装饰艺术的高潮。全世界的艺术家接踵而至，盛况空前。然而，当1930年底二战爆发，本就脆弱的欧洲经济彻底崩溃，奢侈生活的社会基石开始在炮火中动荡不休，这一切都斩断了装饰艺术的根茎，直接带来了它的消亡。
Cartier Bird of Paradise胸针
追寻美好的珠宝希冀 Post War
20世纪40年代起，当第二次世界大战带着摧毁一切的力量席卷而来，人们的心开始变得和社会的方方面面一样悲伤而脆弱。战争结束伊始，尽管钻石、贵金属等珠宝原材料都因极其难得而弥足珍贵，法国女性依然如追求信仰般追求精美绝伦的珠宝，仿佛这是一番带翼的希望可以飞向美好世界，可以疗伤。
这时，纯美高雅的钻石依然是最受欢迎的材质，但却不易得到；而红宝石、祖母绿这样的稀有宝石以及碧玺、黄水晶，以及绿松石这样的半稀有宝石以其鲜艳多彩的色调吸引了很多人的喜爱，很多工匠选择梨形多面切割的技法来夸大宝石的光泽和色度，让作品更具灵动的美感。于此同时，为了解决黄金供不应求的状况，设计师们花样迭出，选用黄、粉、绿等鲜艳的色彩衬托黄金部分，在节省原料的同时更体现出丰富的层次感。
1941年Van Cleef &Arpels 别针
或许是不愿再面对人类世界的杀戮和纷乱，花朵和动物成为了这一时期珠宝作品最有特色的主题。尤其是鸟类，承载着设计师飞离一切伤痛的梦想，成为了这一时期作品的经典造型。充满异国情调的猫科动物带着对于另一种神秘文化的向往横空出世。
夸张的腕部装饰在这个时期开始大为流行，最普通的金色手链往往极为宽大，并且经常两手佩戴。而在中东客户的青睐之下，项链、耳环、手链组成的成套的珠宝配饰开始出现，为女性的整体造型提供更加协调的流畅线条。
战后时代后期，全球最大的钻石矿业集团De Beers公司凭借一句“钻石恒久远，一颗永流传”的经典广告语让钻石巩固了时尚界翘楚的席位。在社会日益稳定发达，生活又回归平静的日子里，战后时代随着那些亲历者的逝去而渐渐淡化，在上世纪50年代末的一片回忆之中走向艺术的当代时期。
1957年Liz Taylor在凡登广场Van Cleef &Arpels店铺试戴珠宝
颠覆传统的珠宝风采 Contemporary
从上个世纪60年代起，迷幻色、A字迷你裙、热裤、白色乙烯基上衣，这一系列离经叛道的诱惑把流行和时尚彻底引出了传统的束缚，开启了一扇只代表自己的门：当代艺术（Contemporary）。
在这种颠覆传统的新型潮流中，珠宝业也正在浪潮中重塑一个新鲜的形象。20世纪60到70年代，作风古典的法国珠宝业在一片推陈出新的呼喊声下渐渐式微，而正如Bulgari这样的意大利品牌后来居上，手捧色彩亮丽款式新颖的珠宝成为行业主流。
Chanel圣马可系列胸针
很多法国珠宝品牌开始追随这条色彩斑斓形式多样的设计之路，上世纪70年代时，一个名为Poiray的法国品牌脱颖而出，以一件原创的多色宝石镶嵌的吊坠成名，受到很多有识之士的追捧。而在大洋彼岸的纽约，新秀设计师Joel Arthur Rosenthal亲手打造的珠宝品牌Jar，以美国人独特的眼光感受巴黎珠宝的特质，用比法国传统设计更加自然并且更具艺术感的手法引人瞩目；甚至很多法国贵族都很欣赏他的设计，并把家传的珠宝带到美国求他改造成更加流行的样式。
如果说此时珠宝风格的转变是社会变革的缩影，那科技的进步就是这种转变的终极原因。随着科学技术的支持不断升级，更多复杂的工艺和高级的技术都被引进到了珠宝制作当中。尽管祖母绿非常柔软易断，Van Cleef &Arpels发明的隐密式镶嵌技术做到了宝石镶嵌的天衣无缝，而另一方面，勘探技术的进步把珠宝商的目光带向了更多的珍奇材质。80年代时，彩色钻石的大肆流行就得益于很多新矿藏的开发和挖掘。这个10年当中，澳洲发现了储量集中的紫粉钻；而在世界各地也陆续发现了粉、蓝、黄、绿、棕等彩色钻石。
法国珠宝历史悠远，当19世纪末期，新艺术珠宝的蜿蜒线条点燃了法国珠宝的魔力，全世界慷慨地将赞叹的目光和最华美的词藻送给Jewelry Made in France，随后，历经了时间长河百余年的磨炼，法国珠宝一次次俘虏了人们善变的心，终于衍变为真正影响世界的风格典范。
1900年Boucheron手链，2009年纽约佳士得拍品
流动珠宝自然之美 Art Nouveau
一条街道，一个转角，一盏街灯，一扇花窗。印象中的巴黎本身就是一件艺术品，而每每仰望美轮美奂的巴黎中央车站的入口，美景更会让人不忍归去—精美的雕刻，流畅的线条，艺术散发着自然的味道悄然征服审美。这件由设计师Hector Guimard带来的作品，正是沿袭了风靡于上个世纪的艺术风格─新艺术（Art Nouveau）。
1895年，圣诞之后，节日的余温尚未减退的一个清晨。法国艺术家Samuel Bing为自己的“巴黎东方艺术店”换上了刻有新名字的牌匾─“新艺术画廊”。从此，这个横跨世纪之交的设计潮流也有了自己的名字—新艺术（Art Nouveau）。它钟情于鬼斧神工的自然，悠远亘古的神话，它把风幻化成流动的曲线之美，把花卉、植物、动物纳入频繁使用的有机元素之中，让作品充满了生长和律动的活力。
1900年René Lalique狗脖圈饰物，2009年纽约佳士得拍品
尽管影响最大的还是绘画和建筑，但珠宝设计也从此迎来了一个收获颇丰的年代。赶弄着新艺术的浪潮，珠宝工匠们也如画家和建筑家一样，开始吸取自然和神话赋予的无穷灵感。同时，珠宝设计师们对于原料的选择也逐渐开始规避大而璀璨的昂贵钻石，以半宝石、兽角，甚至玻璃等新材质取而代之。
和传统欧洲风格大相径庭的是，新艺术受到了浓厚的日本风格的渲染。其中，对于不对称图案的推崇和繁复花纹的选用都是日本设计的光影。此外，一批大名鼎鼎的珠宝设计师的加盟让新艺术更深入人心，如Auguste Rodin、Louis Comfort Tiffany、Emile Galle以及René Lalique这样如雷贯耳的名字更让这一流派的发展如日中天。
1910年铂金钻石项链（胸针），2009年伦敦佳士得拍品
温婉的宫廷珠宝风范 Edwardian
蕾丝，羽纱，丝带，蝴蝶结。
当唯美曼妙的维多利亚风格随着女王的退位渐渐隐去，1902年，其子爱德华七世的继位预示着艺术界爱德华时代的到来。他的出现不仅使短款西服和蝶形领结代替了白领带和燕尾服的旧式晚装，更为珠宝设计加入了弧线、花环，以及心形等明朗圆润的元素。在钟爱时尚的爱德华七世的推动下，爱德华风格风靡了整个欧洲，并且风向直指美国，成为了新兴中产阶级的新宠。
和新艺术不同，爱德华风格体现了雍容华贵，高雅温婉的王者之风。新艺术时期被视为“太过艺术”的花环风格转而复苏，有所不同的是，工艺的进步和材质的精良让新的花环风格更加生动流畅，并在1910年发展成为珠宝设计中最流行的元素之一。
爱德华七世国王与皇后亚历山大
当我们凝视一个活泼的蝴蝶结，并由衷赞叹它造型灵巧做工精良并且笼罩着钻石奢华的光芒之时，很可能，这就是一件爱德华风格的作品，王者独一无二的尊贵气质只钟情于风华绝代的钻石令人神往的光芒。
或许是维多利亚女王温婉高贵的身影的延续，产量稀少、光泽柔润的珍珠也是这一风格设计师的大爱。据记载，世代相传的上等珍珠是只有贵族才能佩戴的身份象征。
跳出金和银的传统金属材质，爱德华时期的珠宝匠们都把目光聚焦在了一种新型的金属─铂金。极好的光感和不易变形的质地战胜了金银的柔软和暗淡，成为烘托宝石，尤其是制作表托的上乘优选。
在皇室和美国新贵们的竭力推崇之下，Cartier、Boucheron以及Mauboussin等珠宝巨匠都推出了一系列造型绝世的珠宝作品，例如Cartier的花环风格胸针就是这一时期珠宝界的翘楚之作。然而，随着1910年爱德华七世的去世，皇室在风雨飘摇中经历了巨大的变革，这一艺术风格也伴着爱德华支持的坍塌而渐渐隐匿，随之而来的是又一个伟大的艺术形式─装饰艺术。
平衡简洁的立体设计 Art Deco
当第一次世界大战的创痛在人们心中渐渐隐退，当社会的活力和美好重新在和平中绽放光彩，一种与爱德华时代的保守和禁锢大相径庭的艺术形式席卷而来，释放着人们心中冲破藩篱的渴望。当女性穿起短裙和无袖衫，当Coco Chanel第一次大胆地把男人的西服穿在身上，社会的变革也引领着一次艺术形式的盛世─装饰艺术（Art Deco）的到来。
Van Cleef &Arpels手镯
一战后，流行服饰的巨大转变也带动了珠宝设计的革新。原本严实包裹的女性身体开始享受无袖、低胸以及短裙的简便和酣畅淋漓，女性追求美感的天性要求那些与空气亲密接触的部分显示出更多灵动和修饰。手链、臂环、晚装包以及悬挂着流苏的项链和耳环开始备受青睐，大大突破了爱德华时代花环风格的婉约和压抑，展现出一种前所未有的开放和大气。
1928年Cartier胸针，2009年纽约佳士得拍品
这一时期，造型夸张、线条硬朗的珠宝风格在历史上首次出现，矩形和多边形都是设计师们偏爱的线条形状，技术的进步让很多宝石也被切割为多边形。此时珠宝作品的色彩选择也极为丰富，大大突破了爱德华时代钻石铂金的单纯光感。装饰艺术的选材也非常多元化，除了爱德华时代就兴起的铂金钻石，一些体现着达达主义、超现实主义，甚至是立体艺术的材质也纷纷被纳入了它的清单。尼龙绳、烤漆木，各式各样的宝石水晶甚至是彩色玻璃都被统统拿来，成就了这一种胸襟开放引人注目的新型元素。
1926年Van Cleef &Arpels化妆箱
与此同时，装饰艺术博大的胸怀也在异域之风中更加宽广。1922年，当Tutankhamen王的墓冢在沙漠中被发现的消息震惊世界，一股埃及之风席卷了整个珠宝界，古埃及风格的珠宝作品层出不穷。此外，印度、中国、非洲以及拉美元素都频频出现在此时的作品之中，让这种形式兼容并包的特性一览无余。
1925年的塞纳河边异常热闹，一场“现代工业装饰艺术国际展”迎来了装饰艺术的高潮。全世界的艺术家接踵而至，盛况空前。然而，当1930年底二战爆发，本就脆弱的欧洲经济彻底崩溃，奢侈生活的社会基石开始在炮火中动荡不休，这一切都斩断了装饰艺术的根茎，直接带来了它的消亡。
Cartier Bird of Paradise胸针
追寻美好的珠宝希冀 Post War
20世纪40年代起，当第二次世界大战带着摧毁一切的力量席卷而来，人们的心开始变得和社会的方方面面一样悲伤而脆弱。战争结束伊始，尽管钻石、贵金属等珠宝原材料都因极其难得而弥足珍贵，法国女性依然如追求信仰般追求精美绝伦的珠宝，仿佛这是一番带翼的希望可以飞向美好世界，可以疗伤。
这时，纯美高雅的钻石依然是最受欢迎的材质，但却不易得到；而红宝石、祖母绿这样的稀有宝石以及碧玺、黄水晶，以及绿松石这样的半稀有宝石以其鲜艳多彩的色调吸引了很多人的喜爱，很多工匠选择梨形多面切割的技法来夸大宝石的光泽和色度，让作品更具灵动的美感。于此同时，为了解决黄金供不应求的状况，设计师们花样迭出，选用黄、粉、绿等鲜艳的色彩衬托黄金部分，在节省原料的同时更体现出丰富的层次感。
1941年Van Cleef &Arpels 别针
或许是不愿再面对人类世界的杀戮和纷乱，花朵和动物成为了这一时期珠宝作品最有特色的主题。尤其是鸟类，承载着设计师飞离一切伤痛的梦想，成为了这一时期作品的经典造型。充满异国情调的猫科动物带着对于另一种神秘文化的向往横空出世。
夸张的腕部装饰在这个时期开始大为流行，最普通的金色手链往往极为宽大，并且经常两手佩戴。而在中东客户的青睐之下，项链、耳环、手链组成的成套的珠宝配饰开始出现，为女性的整体造型提供更加协调的流畅线条。
战后时代后期，全球最大的钻石矿业集团De Beers公司凭借一句“钻石恒久远，一颗永流传”的经典广告语让钻石巩固了时尚界翘楚的席位。在社会日益稳定发达，生活又回归平静的日子里，战后时代随着那些亲历者的逝去而渐渐淡化，在上世纪50年代末的一片回忆之中走向艺术的当代时期。
1957年Liz Taylor在凡登广场Van Cleef &Arpels店铺试戴珠宝
颠覆传统的珠宝风采 Contemporary
从上个世纪60年代起，迷幻色、A字迷你裙、热裤、白色乙烯基上衣，这一系列离经叛道的诱惑把流行和时尚彻底引出了传统的束缚，开启了一扇只代表自己的门：当代艺术（Contemporary）。
在这种颠覆传统的新型潮流中，珠宝业也正在浪潮中重塑一个新鲜的形象。20世纪60到70年代，作风古典的法国珠宝业在一片推陈出新的呼喊声下渐渐式微，而正如Bulgari这样的意大利品牌后来居上，手捧色彩亮丽款式新颖的珠宝成为行业主流。
Chanel圣马可系列胸针
很多法国珠宝品牌开始追随这条色彩斑斓形式多样的设计之路，上世纪70年代时，一个名为Poiray的法国品牌脱颖而出，以一件原创的多色宝石镶嵌的吊坠成名，受到很多有识之士的追捧。而在大洋彼岸的纽约，新秀设计师Joel Arthur Rosenthal亲手打造的珠宝品牌Jar，以美国人独特的眼光感受巴黎珠宝的特质，用比法国传统设计更加自然并且更具艺术感的手法引人瞩目；甚至很多法国贵族都很欣赏他的设计，并把家传的珠宝带到美国求他改造成更加流行的样式。
如果说此时珠宝风格的转变是社会变革的缩影，那科技的进步就是这种转变的终极原因。随着科学技术的支持不断升级，更多复杂的工艺和高级的技术都被引进到了珠宝制作当中。尽管祖母绿非常柔软易断，Van Cleef &Arpels发明的隐密式镶嵌技术做到了宝石镶嵌的天衣无缝，而另一方面，勘探技术的进步把珠宝商的目光带向了更多的珍奇材质。80年代时，彩色钻石的大肆流行就得益于很多新矿藏的开发和挖掘。这个10年当中，澳洲发现了储量集中的紫粉钻；而在世界各地也陆续发现了粉、蓝、黄、绿、棕等彩色钻石。